PlanetGong : Rock'n'roll et mauvaise foi.

Dans les caveaux du Fuzz
  Seconds couteaux et perles de série B 

Les outrageux du glam, épisode 4

Suzy Quatro : "Daytona Demon"

Klaus Nomi   -  

Klaus Nomi

(RCA ; 1981)

Né en Allemagne et installé à New-York au début des années 1970, Klaus Nomi était un artiste exceptionnel qui a laissé une trace indélébile dans la musique populaire de la fin du XXe siècle, malgré une carrière très courte et une mort précoce (il fut un des premiers, parmi les célébrités, à être victimes du sida). La carrière de Klaus Nomi va prendre un tour décisif après sa rencontre avec Kristian Hoffman, qui va écrire quelques-unes des chansons les plus célèbres du répertoire de Nomi (sur ce premier album, il signe « The Nomi Song » et « Total Eclipse »). Hoffman est aussi celui qui va s’occuper de la direction musicale, et qui forme le groupe qui accompagne Nomi. L’exubérant costume de scène qui est rapidement devenu sa marque de fabrique a été calqué sur celui que portait David Bowie lors d’un de ses passages à Saturday Night Live en 1979 (il existe notamment de cette soirée une vidéo assez célèbre où Klaus Nomi intervient comme choriste dans la chanson « The Man Who Sold The World»). Le style inoubliable de Klaus Nomi est un mélange entre compositions originales aux sonorités cold-wave, interprétations de morceaux de musique classique (notamment ceux de Camille Saint-Saëns, un de ses compositeurs fétiches) et transfiguration de standards de la musique pop américaine (sur ce disque, « Lightnin’ Strikes » de Lou Christie et « The Twist », signée Hank Ballard et popularisée par Chubby Checker).

L’album débute par une chanson lente, « Keys of Life », qui place l’auditeur dans un univers étrange, froid et inquiétant, et en présence d’un interprète atypique. Le second morceau, « Lightning Strikes » est une des chansons caractéristiques du « style Klaus Nomi » : une rythmique synthétique aux sonorités très froides, un son de basse très en avant et des synthétiseurs pour meubler le fond sonore. Nomi chante sur un ton assez bas pour les couplets, et incroyablement haut sur les refrains, tout en laissant apprécier un accent germanique assez fort. « The Twist » laisse la part belle à divers effets de production (carillon, écho, chœurs et rire malsain) ; l’ensemble laisse une impression de désordre musical qui s’organise tant bien que mal autour de la ligne de basse qui assure la cohésion de la chanson. « Nomi  Song » porte la démesure à un point jubilatoire : après une boucle de claviers, c’est une nouvelle fois la basse qui tient le morceau à flot avant l’arrivée d’un déluge sonique ; Nomi s’affirme définitivement comme un chanteur unique jusqu’à l’apothéose de la fin de chanson. Après une telle chanson, qu’attendre de « You Don’t Own Me », plus new-wave que jamais ? Que les défenseurs d’un hypothétique bon goût ne viennent pas s’aventurer à critiquer le jeu de guitare et son solo : la musique enregistrée par Klaus Nomi transcende les critères habituels et fait souvent de l’outrance une étape obligée, et ceux qui n’acceptent pas les principes tranchés qui gouvernent cet album ne pourront jamais apprécier la beauté froide et douloureuse de cette chanson.

La face B de l’album s’ouvre sur une interprétation de « The Cold Song », un des morceaux les plus célèbres du compositeur anglais Henry Purcell, qui permet à Nomi d’exprimer un aspect de son talent dans un registre classique. « Wasting my time » retrouve avec bonheur les territoires déjà explorés par la face A ; la voix irréelle de Nomi venant s’opposer à une rythmique amplifiée et livrer des paroles qui prennent rétrospectivement un sens tristement prémonitoire (« I’m singing this song though I won’t stay for long »). L’influence de David Bowie sur Klaus Nomi, que nous avons déjà évoquée, apparaît une nouvelle fois de façon évidente, et cet album est en ce sens un témoin de son époque : les sonorités funk sont comme glacées, transformées par le prisme cold-wave ; « Total Eclipse » semble ainsi une continuation de « Wasting my time ». Dans ce contexte, « Nomi Chant » fait office d’interlude inquiétant avant le bouquet final que constitue « Samson and Delilah (Aria) », morceau de Camille Saint-Saëns à l’orchestration plus classique et aux dernières secondes surprenantes.  

Ce disque reste aujourd’hui comme un des grands premiers albums de la musique pop-rock ; la production réalisée par Ron Johnsen assure une cohérence à cet ensemble qui aurait pu être par trop hétéroclite, et permet à Klaus Nomi de figurer en bonne place parmi les interprètes les plus singuliers qui soient.

Liste des chansons :

1. Keys of life

2. Lightning Strikes *

3. The Twist

4. Nomi Song *

5. You don’t own me *

6. The Cold Song *

7. Wasting my time

8. Total Eclipse *

9. Nomi Chant

10. Samson and Delilah (Aria)

Vidéos :

"The Cold Song"

"The Nomi Song"

Vinyle :

Dans les caveaux du Fuzz
  Seconds couteaux et perles de série B 

Les outrageux du glam, épisode 2

Jesse Hector & The Gorillas : "She's My Gal"

Rockab’ anglais à la veille des Beatles, mod-freak en 66, costume glammeux avant tout le monde, féru de Troggs et Kinks au milieu des pachydermes symphonistes et autres pompiers hippies, artilleur pub et punk dès 74, puis revivaliste du garage puriste à l’époque funeste des Smashing Pumpkins : il y a des gens, assez rares, qui ont tout juste.

S’il est bien un héros oublié du rock’n’roll, c’est Jesse Hector. Nécessairement, personne ne parle jamais de lui. Depuis son rock’n’roll trio et les psych-mod The Clique (cf. Rubble), il a pourtant joué dans une ribambelle de groupes (en général nommés à partir des substantifs « gorilla » ou « crash »).

Par-delà ses multiples incarnations, le trajet de Jesse Hector, excellent et chaleureux chanteur, est marqué par une profonde et admirable cohérence : nous parlons non pas son intimidante paire de favoris roux, mais bien de son culte du rock’n’roll le plus basique qui soit, musique pour taper du pied et gigoter comme un abruti fini dans les rades miteux. Nulle fioriture, mais riffs nerveux et incandescence sonique, mais guitares tendues et goût impeccable fondamentalement mod et plus largement soul, rock’n’roll, rythm & blues.

Alors on s’étonnera peut-être de le voir rangé ici au rayon glam : qu’est-ce que ce routier buriné et exigeant a à voir avec tous les crétins à paillettes qui font notre délectation ? C’est qu’en dehors de ses fantaisies costumières, bien aussi terrorisantes que celles de Slade et The Sweet, Jesse Hector a pavé la route à toute cette génération, en rappelant l’essentiel : la brute simplicité du riff. Car telle est notre thèse : l’essence du glam est d’associer à une théâtralité exubérante, le primitivisme rock’n’roll le plus crasseux. (Prétexte bancal, certes, mais l’important est de causer de bons morcifs méconnus, alors enchaînons gaiement.)

En 69, avec le power trio de néanderthaliens high energy Crushed Butler, Jesse Hector a fait peur à tout le monde, et en premier lieu à son label. Le groupe donne des concerts brillants, évolue et change trente-six fois de noms, mais a le temps de marquer par son allure les futurs glammeux, puis devient les Hammersmith Gorillas, assénant en 1974 une fort massive reprise de « You Really Got Me », prélude magistral au grand retour aux fondamentaux opéré par la génération pub-punk. Passage remarqué au fameux festival de Mont-de-Marsan en 76. C’est sous le nom réduit de Gorillas que le premier vrai album sort, avec sa pochette incroyable, enfin ! en 1978 – ce qu’on ne qualifiera pas de performance carriériste.

Écouter le clinquant « She’s My Gal » convaincra n’importe qui de cette évidence – mille fois plus intéressant que les absurdes vieilles rocks stars de masse, les Jagger et Bowie, produits de synthèse techno-marchands dénués de sens depuis longtemps, Jesse Hector, toujours actif dans les années 90, incarne à merveille la dignité pérenne de ces soldats inconnus qui jouent le seul et unique rock’n’roll, celui de Hank Williams, de Cochran et des Cramps.

« God bless everybody. How will I ever forget: Elvis Presley, Eddie Cochran, Buddy Hollly, Brian Jones, Marc Bolan, Jimi Hendrix. » (Jesse Hector, “Message To The World”, 1978.)

The Gorillas: « She’s My Girl »

« Gatecrasher », toujours les Gorillas

Plus tôt,  Crushed Butler, “Love Is All Around Me”:

Début nineties, fringant et intact avec The Sound, « I Need Lovin’ »:

A écouter:

Encore mieux que l’album recommandable des Gorillas, la compile Gorilla Garage donne un large aperçu chronologique des multiples ouvrages du glorieux porteur de favoris. Paru en 2005 chez RPM, c’est dire si le son est rutilant.

The Clean –
Anthology

(Flying Nun 2003)

L'excellent documentaire New Garage Explosion publié début 2011 par Vice sur la renversante scène garage-rock contemporaine n'a pas eu pour seul mérite de mettre en avant des groupes appréciés ici tels que Ty Segall ou Strange Boys, il a aussi réveillé l'intérêt autour d'un groupe néo-zélandais méconnu des années 80, The Clean. Le reportage était en effet assez étonnant : à la question des influences majeures, nombreux furent les artistes à citer The Clean, au point que cette unanimité en devint presque grotesque. Comment un groupe dont on n'avait à peine entendu parler pouvait il être autant vénéré par ces groupes provenant d'horizons divers ? Et que valaient vraiment ces énigmatiques The Clean ?

Une seule réponse à cela : écouter leurs disques. Ça parait facile à dire comme ça, mais cela se complique lorsqu'on regarde de près la biographie du groupe. Formé autour de deux frères – David et Hamish Kilgour – et d'un bassiste (Robert Scott), The Clean a débuté sa carrière en 1978 mais n'a publié son premier véritable album studio qu'en 1990. Comme tout groupe lo-fi désargenté qui se respecte, sa discographie est du genre bordélique. Même s'ils ont tous été publiés sur le même label (Flying Nun, créé par le disquaire Roger Shepherd pour le groupe, et devenu depuis une institution), singles, EPs et compilations s'enchaînent de façon désordonnée, et seule une anthologie sortie en double CD en 2003 rend honneur à l'œuvre de The Clean avec une certaine cohérence.

L'avantage de ce double-album, c'est qu'il contient l'intégralité du premier single et des deux premiers EPs, qu'il présente dans l'ordre chronologique, et on constate rapidement que dès son premier enregistrement The Clean avait un talent hors du commun. "Tally Ho", comptine lo-fi au clavier omniprésent navigue entre Television Personalities et Modern Lovers avec une évidence effarante. Honte aux Strokes d'avoir plagié ce morceau sans vergogne en 2005 en le renommant "Hawaii"! L'original de The Clean figure parmi les grandes réussites de cet album. Le premier CD de cette compilation est d'une variété incroyable, et chaque morceau semble contenir le concept intégral d'un groupe . Tout The Soft Pack se trouve dans "Platypus" et "Billy Two". Ceux qui ont apprécié "Exit Music" des Hunches retrouveront le même désespoir dans "Sad Eyed Lady", les amateurs d'Eddy Current Suppression Ring se délecteront de "Point That Thing Somewhere Else" et "Fish", les fans de "Let''s Wrestle" se retrouveront dans "Slug Song". Et quel intérêt d'écouter Pavement si on a "Getting Older" sur sa platine ?

Le deuxième disque de cette compilation, même s'il possède de nombreux bons morceaux est moins essentiel à l'écoute. La raison en est simple : si le premier disque regroupe des enregistrements introuvables réalisés durant la première période du groupe (1978-1982),  le second rassemble des titres postérieurs à sa réunion en 1990. De fait, quasiment tous les morceaux sont déjà disponibles sur les albums tardifs de The Clean, et sont globalement moins enthousiasmants. On se réjouit néanmoins d'y trouver l'excellent titre velvetien "Trapped In Amber", par ailleurs introuvable. Le son du groupe à cette période est plus propre, plus policé, plus marqué 90s (Pavement encore n'est vraiment pas loin), mais les frères Kilgour y démontrent que leur réunion n'avait rien d'un revival sans avenir. Tirés de Vehicle (1990), "Big Cat", "Drawing To A Hole", "The Blue", "Diamond Shine" dévoilent un groupe sûr de sa force, à l'enrobage proche des Modern Lovers. Les morceaux tirés de l'album suivant Linger Longer (1994) et Unknown Country (1996) sont généralement plus calmes et moins passionnants. Quelques pépites s'y nichent néanmoins, tel ce "Franz Kafka At The Zoo" contemplatif ou la cotonneuse "Indigo Blue", mais l'excitation des débuts est bien loin.

Ce qu'il ressort de cette compilation, c'est que The Clean avaient tout compris dès 1978. Si leurs premiers morceaux sont aujourd'hui les tables de la loi des artistes lo-fi actuels, c'est qu'ils contiennent assez d'idées pour que chacun y puise son inspiration. Une bible inépuisable, un plaisir toujours renouvelé. Les racines du lo-fi – ce genre qui n'en est pas un – sont floues, assez difficiles à identifier tant il est bien souvent compliqué de percevoir si l'auteur d'un album sous-produit l'a fait volontairement ou par manque de moyens. Nombreux sont les albums sixties qui sonnent inachevés et en tirent aujourd'hui un certain charme, souvent involontaire. La seule chose qu'on peut affirmer, c'est qu'entre les cris brouillons des premiers punks et les apôtres actuels du do it yourself, The Clean font figure de chaînon manquant. Leurs enregistrements mériteraient de figurer au panthéon du rock'n'roll aux côtés des grandes créations des Television Personalities, autres génies du DIY trop souvent oubliés.

Tracklisting :

CD 1

1. Tally Ho *

2. Platypus

3. Billy Two *

4. Thumbs Off *

5. Anything Could Happen

6. Sad Eyed Lady *

7. Point That Thing Somewhere Else

8. Fish *

9. Flowers

10. Side On

11. Slug Song

12. Beatnik *

13. End Of My Dream

14. On Again/ Off Again

15. At The Bottom

16. Getting Older

17. Scrap Music

18. Whatever I Do Is Right

19. Two Fat Sisters (live)

20. Odditty

21. Quickstep (live)

22. At The Bottom (alt version) *

CD 2

1. Drawing To A Whole *

2. I Wait Around

3. The Blue

4. Someone

5. Big Soft Punch

6. Diamond Shine

7. Big Cat

8. Outside The Cage

9. Safe In The Rain

10. Secret Place

11. Do Your Thing

12. Linger Longer

13. Too Much Violence

14. Trapped In Amber *

15. Psycadelic Ranger

16. Late Last Night

17. Ludwig

18. Wipe Me I'm Lucky

19. Franz Kafka at the Zoo *

20. Clutch

21. Balkans

22. Indigo Blue *

23. Chumpy

24. Twist Top

Vidéos :

"Tally Ho"

The Undertones -
The Undertones
(1979, Sire)

The Undertones sont un des groupes les plus injustement méconnus en France. Quand, une fois tous les trois ans en moyenne, on entend parler d'eux, c'est immanquablement pour vanter les qualités de « Teenage Kicks », la chanson popularisée par John Peel. Le groupe a pourtant sorti d'excellents albums (dont celui-ci, mais aussi le second, Hypnotyzed, qui a été publié moins d'un an après The Undertones).

Originaires de Derry (Irlande du Nord), le groupe est créé en 1975 par les frères O'Neill : John, le guitariste principal, qui écrit la plupart des morceaux, et Damian (guitare/claviers), qui recrute des collègues de lycée, dont celui qui devient le chanteur du groupe : Feargal Sharkey, à la voix identifiable entre toutes. Influencés par le punk US (principalement par les Ramones et les Stooges), les Undertones ne font pas de la musique avec comme plus grande ambition d'effrayer le bourgeois, mais plutôt celle de jouer de bons morceaux, pour oublier - et faire oublier à leur public - leur quotidien de violence. Le groupe est en réalité aussi punk que pop : cette situation, impensable en France, est une réalité dans les pays anglo-saxons, et les Undertones sont un des meilleurs groupes des années charnières entre les décennies 1970 et 1980.

Cet album, sorti quelques mois après le succès de « Teenage Kicks » en single (#31 des charts britanniques), est un disque consistant qui renferme de nombreuses pépites oubliées. Dès le premier morceau, « Family Entertainment », le son du groupe surprend ceux qui s'attendent à un album de punk : la base rythmique, parfaitement maîtrisée, sonne un peu synthétique, et les claviers semblent curieux, avant d'apparaître comme deux évidences, tant les compos sont excellentes. Le groupe avait en effet en la personne de John O'Neill un guitariste à la qualité d'écriture rare, et qui avait fait le choix de l'immédiateté : les chansons enregistrées par les Undertones sont courtes (souvent moins de deux minutes, jamais plus de trois !).

Les riffs de guitare sont cinglants (« Here comes the Summer », « Jimmy Jimmy », « True Confessions »), les chœurs sont toujours réjouissants (« Girls don't like it » ; « Wrong way », « Listening in »), et la voix aberrante de Sharkey qui trône au-dessus de l'ensemble : sa diction et son timbre uniques parachèvent les constructions musicales bâties par le groupe. Les dix-huit pistes de ce disque s'enchaînent à merveille : ce premier album des Undertones est enthousiasmant ; un véritable feel-good-album, qui, sous des apparences simples, est devenu un implacable classique. L'album renvoie la plupart de ses concurrents directs à des années-lumière : combien d'autres groupes de l'époque peuvent se targuer d'avoir enregistré autant de bons morceaux que les Undertones ?

Liste des chansons :

1. Family Entertainment *
2. Girls Don't Like It *
3. Male Model
4. I Gotta Getta
5. Teenage Kicks *
6. Wrong Way
7. Jump Boys
8. Here Comes the Summer *
9. Get Over You *
10. Billy's Third *
11. Jimmy Jimmy *
12. True Confessions *
13. (She's A) Runaround
14. I Know a Girl
15. Listening In
16. Casbah Rock

Une paire de vidéos des Undertones pour la route :

"Teenage Kicks"

"Here Comes The Summer"

"Get Over You"